Charlas de acceso libre hasta completar aforo

Art Madrid 2017 en el Museo Lázaro Galdiano

El programa paralelo de Art Madrid quiere acercar al público el arte en todas sus dimensiones y, desde una perspectiva tangencial, reparar en formas de arte menos conocidas o en aspectos del arte a subrayar. En 2017 se enfrenta al gran salto: la brecha sensible y discutida entre el arte contemporáneo y la sociedad… y la inexorable brecha digital. La sala de lectura del Museo Lázaro Galdiano será el escenario de dos charlas relacionadas con estos temas: "Coleccionismo de nuevos formatos" y "Lo visible y lo invisible en el escenario megadata".

13/02/2017 | El Coleccionismo de nuevos formatos

El “apropiacionismo” de imágenes y el cuestionamiento del concepto de autoría, la importancia del registro en el arte efímero y la performance, el valor de las series (i)limitadas, la conservación y exhibición de archivos digitales. Las formas de arte asociadas a las nuevas tecnologías presentan todo un reto para los coleccionistas. ¿Cuáles son las claves para desenvolverse en este nuevo territorio?

Enrique del Río. Fundador y CEO de WeCollectClub, co-fundador de Hoyesarte.com (primer diario de arte en español). Historiador del arte y MBA Entrepreneurship por la UCM. Colaborador habitual en algunas de las principales publicaciones de arte de nuestro país.
Sara G. Arjona. Comisaria, investigadora de arte contemporáneo y directora de Kir Royal Gallery. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada, terminó sus estudios en The Faculty of Art, Design and Humanities (The Montfort University, UK) y posteriormente en el Máster en Investigación de Arte Contemporáneo de la UGR. Ha desarrollado su carrera compaginando la curadoria e investigación para diversos espacios expositivos y ferias de arte contemporáneo en Europa y América del Norte. En 2013, se trasladó a Nueva York como corresponsal del Centro José Guerrero en el MOMA para el centenario del artista. Durante su estancia en Nueva York fue asistente de dirección en Stephan Stoyanov Gallery (Manhattan, NY), colaboradora en EYEBEAM (Art + Technology Center), curadora del Open Studio de ISCP (Internacional Studio y Curatorial Program) y Production Staff and Vip Support en PINTA NY. En 2014 volvió a España como Coordinadora General de la galería madrileña Espacio Valverde desarrollando proyectos como Casa Leibniz. Desde noviembre del 2016 dirige Kir Royal Gallery en Madrid.
Rubén Martín de Lucas. Madrid 1977. Artista visual, licenciado como ingeniero civil y con raíces en el arte urbano, es uno de los 5 fundadores del colectivo Boa Mistura. Grupo multidisciplinar de artistas cuyo eje es el arte urbano y que ha intervenido entre otros en el Pabellón Español en la 13ª Bienal de Arquitectura de Venecia, en Ia Bienal del Sur de Panamá 2013, Bienal de La Habana 2015, MNCARS y desarrollado proyectos en Brasil, Panamá, Estados Unidos, Noruega, México, Colombia, Serbia, Francia y Reino Unido. Desde 2003 Martín de Lucas trabaja en paralelo en su obra individual exponiendo regularmente en galerías, ferias y centros de arte contemporáneo. A partir de 2015 comienza su carrera en solitario con un trabajo personal que tiene como eje el “paisaje” y su “comportamiento asociado”, es decir, las relaciones que las personas generamos con el territorio, tocando temas como la sensación de posesión de la Tierra, los flujos poblacionales fruto del comportamiento mimético o nuestra relación con las fronteras. Entre los lenguajes más utilizados por el artista están la fotografía intervenida, las acciones en el paisaje y el vídeo.

20/02/2017 | Lo visible y lo invisible en el escenario megadata

“Los contenidos no se suben a Internet, se bajan al hardware, a los cables, los contenidos se entierran en Internet. La nube, el cielo, el aire, lo vaporoso, remiten a espacios de indeterminación. Sin embargo el suelo nos lleva a una relación óptica, a la perspectiva, a una siniestra correspondencia entre mapa y el territorio. Las prácticas artísticas se vuelve en este contexto prácticas espeleológicas. Tácticas de producción en una era cibernética que nos coacciona continuamente a expresarnos y localizarnos en el mapa, condición indispensable para consolidar una sociedad transparente donde la imagen esté en contacto inmediato con el ojo.” Mario Santamaría.

“Haciendo físico (o tangible) el mundo virtual. Edurne Herrán utiliza iconos de las nuevas tecnologías sacándolos de su contexto ‘natural’ y creando cierta extrañeza en el espectador; en algunos casos es debido a los materiales elegidos (que nada tienen que ver con ese basto universo creado por medio de ceros y unos, como por ejemplo tejidos y fibras de hilos), y en otros nos extraña por la introducción de un lenguaje tan actual en imágenes icónicas creadas varios siglos atrás. Pero en ambos casos conviven una tremenda obsesión por el modo en el que nos comunicamos y una reflexión sobre el tiempo, su transcurso, la inmediatez y el cambio de paradigmas”.

Edurne Herrán, Ingolstadt-Donau (Baviera, Alemania), 1978. Es Licenciada en Bellas Artes (UPV-EHU, Bilbao) y ha realizado varias maestrías: Máster en Investigación en Arte y Creación, UCM Madrid; Máster en Gestión Cultural, UC3M y Máster en Fotografía Contemporánea y proyectos Personales, EFTI. También cursó Estudios Superiores en Estilismo de Indumentaria y Solfeo. Su obra tiene una conexión directa con la cotidianeidad, el encuentro y la comunicación entre los individuos. Consciente de cómo las nuevas tecnologías y la red catalizan y magnifican los estados emocionales, se sirve de estos nuevos sistemas sociales y dinámicas de comunicación para contextualizar algunas de sus propuestas. En muchas de ellas es la participación del público la que da sentido a la obra y la dota de un carácter performativo. Ha sido galardonada con becas y premios de creación tales como Centro Cultural Montehermoso, El Ranchito en Matadero-Madrid, I Encontro de Artistas Jóvenes, Beca Roberto Villagraz y Propuestas VEGAP, entre otros, y ha expuesto su obra en Museo ARTIUM, museo Barjola, Stand ABC Cultural de ARCO - Madrid, así como en varias galerías nacionales e internacionales. Actualmente desarrolla su trabajo artístico e imparte conferencias y talleres en varias disciplinas.
Mario Santamaría (Burgos, 1985). Vive y trabaja en Barcelona. La práctica artística de Mario Santamaría estudia el fenómeno del observador contemporáneo, prestando atención tanto a las prácticas representacionales o simbólicas como a los aparatos de visión y mediación. Problematizando en su trabajo las relaciones entre la producción de imaginario y las formas en que el cuerpo del observador es atravesado por lenguajes y tecnologías. Utilizando tácticas de apropiación, remake o montaje, sus trabajos intervienen en diferentes territorios como el conflicto, la memoria, la virtualidad o la vigilancia. Licenciado en Bellas Artes y graduado en el Máster en Artes Visuales y Multimedia por la Universidad Politécnica de Valencia. Ha realizado residencias artísticas en centros como Hangar, Barcelona (2014-2016); Hisk, Gantes (2016); Kunststiftung Baden-Württemberg, Stuttgart, Alemania (2015); Flax Art Studios, Belfast, Irlanda del Norte (2014) o Sarai, Nueva Delhi, India (2012) entre otros. Entre sus exposiciones colectivas destacan: Globale, Infosphere. ZKM Karlsruhe, Alemania (2015); Apuntti, inéditos. La Casa Encendida, Madrid (2015); Especies de Espacios. MACBA, Barcelona (2015); The Act & the Tracer, Württembergischer Kunstverein Stuttgart, Alemania (2015); Look into the net. Edith-Russ-Haus, Oldenburg, Alemania (2014); Fuga. Variaciones para una exposición. Fundació Antoni Tàpies. Barcelona (2013) y Sarai Reader 09. Devi Art Foundation, Gurgaon, India (2012).